Publicamos un trabajo realizado por Julio López Agudo, tomado de la página web del coro "Camerata ad libitum" de Pontevedra: http://www.camerata.es/ en el que se citan un serie de normas para conseguir que un coro mejore en su forma y manera de interpretar canciones.
EMPASTE.
Un buen sonido es absolutamente esencial si los cantores quieren experimentar
un hecho estético. Cada cantor dentro de una cuerda produce un sonido único, el
empaste se produce cuando dos o más intérpretes cantando al unísono consiguen
un sonido que se percibe como uno sólo. Como la pronunciación es el primer
portador del sonido, el empaste resulta de la unanimidad en la pronunciación.
Dicho empaste no es una cualidad que el compositor pueda escribir en la
partitura, es trabajo del coro.
Conseguir un buen empaste es tarea de oídos entrenados. El oído debe entrenarse
y sensibilizarse a escuchar el empaste de los sonidos, cada cantor debe
percibir las mínimas diferencias en la formación vocal y hacer los ajustes
necesarios para mejorar el empaste. Es de la mayor importancia que los
cantores, no sólo el director, escuchen esa diferencia.
Eventualmente los cantantes que no empastan con propiedad deben ser quienes hagan
los ajustes oportunos. Deben modificar el sonido de manera que se aproximen lo
más posible al sonido de la cuerda como un todo. La música lenta con acordes
sostenidos demanda más concentración en el empaste.
COLOCACIÓN. La colocación de los cantores dentro de cada cuerda
determina el sonido global. Las voces que tienden a sobresalir no deben
colocarse nunca en los extremos de la cuerda, más bien deben rodearse de voces
que empasten bien. El mejor criterio para colocar una voz es su timbre,
aunque desafortunadamente la conveniencia y la necesidad prevalecen a menudo en
la colocación de las voces.
EQUILIBRIO. El equilibrio depende del control apropiado de las
dinámicas. Hay esencialmente dos tipos de equilibrio: el equilibrio dentro de
una cuerda y el equilibrio entre todas ellas. Cada voz dentro del coro debe
cantar básicamente en un mismo nivel dinámico. La timidez, así como el
grado natural de fuerza vocal, puede hacer difícil que algunas voces canten tan
fuerte como otras. Estas voces más suaves son valiosas ya que añaden cuerpo y
profundidad al sonido.
La cuerda bien equilibrada es aquella en la que todos los cantores son capaces
de producir exactamente el mismo nivel dinámico. Los problemas surgen cuando,
por ejemplo, una soprano canta mucho más fuerte que las demás de la cuerda.
Cuando esto ocurre, el establecimiento del equilibrio, así como un buen
empaste, resulta mucho más difícil aunque no imposible.
Conseguir el equilibrio, como el empaste, es asunto de oídos educados. Cada
cantante debe escuchar cuidadosamente el nivel dinámico y hacer ajustes para
estar en equilibrio con los otros. Pueden darse problemas en los niveles
dinámicos más fuertes, ya que las voces más débiles simplemente no pueden
alcanzar el volumen de las voces más grandes. En cualquier cuerda del coro, el
nivel dinámico anterior a que el equilibrio se venga abajo y las voces
individuales sobresalgan es el óptimo para esa cuerda en particular.
El equilibrio también existe dentro del coro completo. Esto significa,
por ejemplo, que la cuerda de contraltos cante tan fuerte como la de sopranos.
Los oídos de los cantores juegan un papel importante otra vez, ya que sólo
ellos pueden decir cuanta energía debe añadirse a la dinámica sonora. Los
cantores deben escuchar todo el coro así como su propia cuerda.
Ninguna voz debe cantar nunca con su máximo volumen. La solidez del sonido,
dando sensación de fuerza, puede conseguirse explotando el otro extremo de la escala
dinámica. Como las dinámicas son relativas, el coro que aprende a cantar muy
piano, dará sensación de gran poder en el nivel forte. La fuerza del coro se
amoldará a la de su cuerda más débil, el nivel dinámico que esta pueda producir
determina el nivel dinámico de todo el coro.
La colocación de las voces dentro de cada cuerda puede jugar un papel
importante a la hora de conseguir un empaste y equilibrio máximos. Los
cantantes más fuertes deben colocarse más bien dentro del coro que en los
extremos o en el frente. En esta posición serán capaces de escuchar el sonido
total y ajustar la dinámica cuando se necesite.
Cantar en cuartetos dentro del coro es probablemente la mejor técnica
para conseguir un perfecto empaste y equilibrio, pero algunos cantores
sencillamente no pueden cantar en esa disposición, necesitan la seguridad de la
cuerda. Colocar voces fuertes junto a voces más débiles puede ayudar a estas
últimas a desarrollarse. Colocar voces suaves y dulces junto a voces más
nasales puede ayudar a las voces "delgadas" a desarrollar una calidad
sonora más difusa.
Aunque cada voz es única, también es un instrumento asombrosamente flexible,
acompañada de un buen oído, la voz es muy versátil. Los buenos cantores deben
darle sus voces al coro. Esto es, cada voz tiene que renunciar algo a su individualidad
cuando se quiere desarrollar un buen sonido coral. Habitualmente no todos
pueden cantar en el modo que desean; la modificación del timbre vocal, el
control de la afinación, el nivel dinámico y el vibrato para bien del coro es
parte de la experiencia coral. La voz puede hacer estos ajustes si el oído está
educado para escuchar críticamente.
AFINACIÓN.
La mayoría de los cantores no afina automáticamente cuando canta. Tienen que
concentrarse en una referencia sonora. Las causas de la desafinación pueden ser
diversas:
1. Los cantores tienden a hacer demasiado grandes los intervalos descendentes,
mientras que dejan cortos los intervalos ascendentes.
2.
Algunos cantores encuentran sin interés repetir sonidos y relajan la
intensidad de la línea musical, dejando caer la afinación. El cantor
confiado es atrapado a cada momento.
3.
El tercer y séptimo grados de la escala (mayor) tienden a cantarse
demasiado bajos.
4. El espacio de ensayo o de concierto puede provocar por sí mismo problemas de
afinación. La salas con poca reverberación hacen sentir a los cantores
como si estuvieran cantando un solo. Demasiada reverberación produce un sonido
sin claridad y definición. Los cantores pueden cansarse con más rapidez cuando
la sala está mal ventilada, caliente o húmeda. Las salas pueden tener un ruido
ambiental que tiende a hacer que los cantores desafinen. Por todo ello, los
cantores deben estar preparados para amoldarse a cualquier tipo de acústica.
5.
Los cantores vienen a veces a los ensayos mental y físicamente cansados,
lo cual puede hacer que se sientan “horrorizados” ante una o dos horas de
ensayo. En tales circunstancias no es extraño que surjan problemas de
entonación. Tanto el director como los cantores son los responsables de
exigirse y motivarse unos a otros.
6.
Una postura inadecuada y los malos hábitos vocales también provocan
problemas de entonación, el coro debe saber cómo sentarse y ponerse de pie,
cómo respirar, cómo cantar y cómo pronunciar el texto con claridad y precisión.
7.
También los intervalos difíciles o poco familiares, las tesituras agudas, los
movimientos inusuales de las voces pueden provocar que los cantantes desafinen.
8.
El cantar notas agudas sostenidas puede provocar fatiga vocal, la voz
pierde fuerza y se baja.
9.
El movimiento cromático puede provocar una pérdida del sentimiento
tonal.
Los buenos cantores no forman necesariamente un buen coro, las
soluciones a los problemas de entonación sólo pueden ser acometidos por oídos
bien formados.
ACÚSTICA.
En cada situación acústica deben realizarse determinados ajustes. Si se canta
en salas con poca reverberación (salas con pesadas cortinas y suelos
enmoquetados):
1. Los tempos pueden tener que ser más rápidos.
2.
Las líneas musicales deben ser más sostenidas.
3.
Se requiere más energía para mantener líneas melódicas largas.
4.
Los ritmos deben ser muy crispados.
5.
El sonido deberá ser más brillante para asegurar su proyección.
6.
Los cantores deben escuchar más críticamente.
En espacios donde la reverberación es considerable (salas con paredes y
suelos duros y reflectantes):
1. Los tempos habitualmente tienen que ser más lentos.
2.
Se necesita más separación entre los sonidos de los melismas. En algunos
pasajes rápidos cada sonido puede necesitar una ligera articulación.
3. Las
líneas melódicas deben destacarse más.
4.
Debe cuidarse mucho la dicción para que el texto no se pierda.
CADENCIA FINAL. La cadencia final tiene implicaciones en la actitud
del coro. Después de realizarla quedarán inmóviles, no volverán las
páginas, ni cerrarán la carpeta, ni se volverán hacia sus compañeros. El coro
también debe percibir el final audible de la música, el hecho de que hayan
cerrado la boca no cierra su interpretación. El coro debe permanecer "en
el carácter" de la música el tiempo conveniente tras la cadencia final, el
director habitualmente hará una seña al coro cambiando su expresión, el gesto
físico o su actitud corporal cuando llegue el final. El coro entonces se relaja
o cambia su talante para interpretar la obra siguiente. El coro que rompe su
disciplina pierde ese momento "evanescente" en que una obra nos habla
finalmente. El coro debe ser tan disciplinado como el director y continuar
participando en la música tras la cadencia final.
BUENOS ENSAYOS. Normas a seguir para un buen ensayo:
1. Si es posible conoce la música, estudia previamente la partitura.
2.
Espera un ensayo interesante, sé positivo.
3.
El ensayo comienza a una hora, y los cantores deben estar en su sitio en
ese momento.
4.
Debes escuchar y no hablar cuando se dan indicaciones, aunque vayan
dirigidas a otra cuerda.
5.
Todos deben escuchar lo que ensayan las demás cuerdas.
6.
Con ensayos agradables y entretenidos la calidad del conjunto se verá
incrementada.
