Porque tenemos 12 notas musicales ?

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Desarrollo del sonido en un coro - Cómo conseguir que nuestro coro suene mucho mejor.

Publicamos un trabajo realizado por Julio López Agudo, tomado de la página web del coro "Camerata ad libitum" de Pontevedra: http://www.camerata.es/ en el que se citan un serie de normas para conseguir que un coro mejore en su forma y manera de interpretar canciones.

EMPASTE. Un buen sonido es absolutamente esencial si los cantores quieren experimentar un hecho estético. Cada cantor dentro de una cuerda produce un sonido único, el empaste se produce cuando dos o más intérpretes cantando al unísono consiguen un sonido que se percibe como uno sólo. Como la pronunciación es el primer portador del sonido, el empaste resulta de la unanimidad en la pronunciación. Dicho empaste no es una cualidad que el compositor pueda escribir en la partitura, es trabajo del coro.

Conseguir un buen empaste es tarea de oídos entrenados. El oído debe entrenarse y sensibilizarse a escuchar el empaste de los sonidos, cada cantor debe percibir las mínimas diferencias en la formación vocal y hacer los ajustes necesarios para mejorar el empaste. Es de la mayor importancia que los cantores, no sólo el director, escuchen esa diferencia.

Eventualmente los cantantes que no empastan con propiedad deben ser quienes hagan los ajustes oportunos. Deben modificar el sonido de manera que se aproximen lo más posible al sonido de la cuerda como un todo. La música lenta con acordes sostenidos demanda más concentración en el empaste.

COLOCACIÓN. La colocación de los cantores dentro de cada cuerda determina el sonido global. Las voces que tienden a sobresalir no deben colocarse nunca en los extremos de la cuerda, más bien deben rodearse de voces que empasten bien. El mejor criterio para colocar una voz es su timbre, aunque desafortunadamente la conveniencia y la necesidad prevalecen a menudo en la colocación de las voces.

EQUILIBRIO. El equilibrio depende del control apropiado de las dinámicas. Hay esencialmente dos tipos de equilibrio: el equilibrio dentro de una cuerda y el equilibrio entre todas ellas. Cada voz dentro del coro debe cantar básicamente en un mismo nivel dinámico. La timidez, así como el grado natural de fuerza vocal, puede hacer difícil que algunas voces canten tan fuerte como otras. Estas voces más suaves son valiosas ya que añaden cuerpo y profundidad al sonido.

La cuerda bien equilibrada es aquella en la que todos los cantores son capaces de producir exactamente el mismo nivel dinámico. Los problemas surgen cuando, por ejemplo, una soprano canta mucho más fuerte que las demás de la cuerda. Cuando esto ocurre, el establecimiento del equilibrio, así como un buen empaste, resulta mucho más difícil aunque no imposible.

Conseguir el equilibrio, como el empaste, es asunto de oídos educados. Cada cantante debe escuchar cuidadosamente el nivel dinámico y hacer ajustes para estar en equilibrio con los otros. Pueden darse problemas en los niveles dinámicos más fuertes, ya que las voces más débiles simplemente no pueden alcanzar el volumen de las voces más grandes. En cualquier cuerda del coro, el nivel dinámico anterior a que el equilibrio se venga abajo y las voces individuales sobresalgan es el óptimo para esa cuerda en particular.

El equilibrio también existe dentro del coro completo. Esto significa, por ejemplo, que la cuerda de contraltos cante tan fuerte como la de sopranos. Los oídos de los cantores juegan un papel importante otra vez, ya que sólo ellos pueden decir cuanta energía debe añadirse a la dinámica sonora. Los cantores deben escuchar todo el coro así como su propia cuerda.

Ninguna voz debe cantar nunca con su máximo volumen. La solidez del sonido, dando sensación de fuerza, puede conseguirse explotando el otro extremo de la escala dinámica. Como las dinámicas son relativas, el coro que aprende a cantar muy piano, dará sensación de gran poder en el nivel forte. La fuerza del coro se amoldará a la de su cuerda más débil, el nivel dinámico que esta pueda producir determina el nivel dinámico de todo el coro.

La colocación de las voces dentro de cada cuerda puede jugar un papel importante a la hora de conseguir un empaste y equilibrio máximos. Los cantantes más fuertes deben colocarse más bien dentro del coro que en los extremos o en el frente. En esta posición serán capaces de escuchar el sonido total y ajustar la dinámica cuando se necesite.

Cantar en cuartetos dentro del coro es probablemente la mejor técnica para conseguir un perfecto empaste y equilibrio, pero algunos cantores sencillamente no pueden cantar en esa disposición, necesitan la seguridad de la cuerda. Colocar voces fuertes junto a voces más débiles puede ayudar a estas últimas a desarrollarse. Colocar voces suaves y dulces junto a voces más nasales puede ayudar a las voces "delgadas" a desarrollar una calidad sonora más difusa.

Aunque cada voz es única, también es un instrumento asombrosamente flexible, acompañada de un buen oído, la voz es muy versátil. Los buenos cantores deben darle sus voces al coro. Esto es, cada voz tiene que renunciar algo a su individualidad cuando se quiere desarrollar un buen sonido coral. Habitualmente no todos pueden cantar en el modo que desean; la modificación del timbre vocal, el control de la afinación, el nivel dinámico y el vibrato para bien del coro es parte de la experiencia coral. La voz puede hacer estos ajustes si el oído está educado para escuchar críticamente.

AFINACIÓN. La mayoría de los cantores no afina automáticamente cuando canta. Tienen que concentrarse en una referencia sonora. Las causas de la desafinación pueden ser diversas:

1. Los cantores tienden a hacer demasiado grandes los intervalos descendentes, mientras que dejan cortos los intervalos ascendentes.

2. Algunos cantores encuentran sin interés repetir sonidos y relajan la intensidad de la línea musical, dejando caer la afinación. El cantor confiado es atrapado a cada momento.

3. El tercer y séptimo grados de la escala (mayor) tienden a cantarse demasiado bajos.
4. El espacio de ensayo o de concierto puede provocar por sí mismo problemas de afinación. La salas con poca reverberación hacen sentir a los cantores como si estuvieran cantando un solo. Demasiada reverberación produce un sonido sin claridad y definición. Los cantores pueden cansarse con más rapidez cuando la sala está mal ventilada, caliente o húmeda. Las salas pueden tener un ruido ambiental que tiende a hacer que los cantores desafinen. Por todo ello, los cantores deben estar preparados para amoldarse a cualquier tipo de acústica.

5. Los cantores vienen a veces a los ensayos mental y físicamente cansados, lo cual puede hacer que se sientan “horrorizados” ante una o dos horas de ensayo. En tales circunstancias no es extraño que surjan problemas de entonación. Tanto el director como los cantores son los responsables de exigirse y motivarse unos a otros.

6. Una postura inadecuada y los malos hábitos vocales también provocan problemas de entonación, el coro debe saber cómo sentarse y ponerse de pie, cómo respirar, cómo cantar y cómo pronunciar el texto con claridad y precisión.

7. También los intervalos difíciles o poco familiares, las tesituras agudas, los movimientos inusuales de las voces pueden provocar que los cantantes desafinen.

8. El cantar notas agudas sostenidas puede provocar fatiga vocal, la voz pierde fuerza y se baja.

9. El movimiento cromático puede provocar una pérdida del sentimiento tonal.

Los buenos cantores no forman necesariamente un buen coro, las soluciones a los problemas de entonación sólo pueden ser acometidos por oídos bien formados.

ACÚSTICA. En cada situación acústica deben realizarse determinados ajustes. Si se canta en salas con poca reverberación (salas con pesadas cortinas y suelos enmoquetados):

1. Los tempos pueden tener que ser más rápidos.

2. Las líneas musicales deben ser más sostenidas.

3. Se requiere más energía para mantener líneas melódicas largas.

4. Los ritmos deben ser muy crispados.

5. El sonido deberá ser más brillante para asegurar su proyección.

6. Los cantores deben escuchar más críticamente.

En espacios donde la reverberación es considerable (salas con paredes y suelos duros y reflectantes):

1. Los tempos habitualmente tienen que ser más lentos.

2. Se necesita más separación entre los sonidos de los melismas. En algunos pasajes rápidos cada sonido puede necesitar una ligera articulación.

3. Las líneas melódicas deben destacarse más.

4. Debe cuidarse mucho la dicción para que el texto no se pierda.

CADENCIA FINAL. La cadencia final tiene implicaciones en la actitud del coro. Después de realizarla quedarán inmóviles, no volverán las páginas, ni cerrarán la carpeta, ni se volverán hacia sus compañeros. El coro también debe percibir el final audible de la música, el hecho de que hayan cerrado la boca no cierra su interpretación. El coro debe permanecer "en el carácter" de la música el tiempo conveniente tras la cadencia final, el director habitualmente hará una seña al coro cambiando su expresión, el gesto físico o su actitud corporal cuando llegue el final. El coro entonces se relaja o cambia su talante para interpretar la obra siguiente. El coro que rompe su disciplina pierde ese momento "evanescente" en que una obra nos habla finalmente. El coro debe ser tan disciplinado como el director y continuar participando en la música tras la cadencia final.

BUENOS ENSAYOS. Normas a seguir para un buen ensayo:

1. Si es posible conoce la música, estudia previamente la partitura.

2. Espera un ensayo interesante, sé positivo.

3. El ensayo comienza a una hora, y los cantores deben estar en su sitio en ese momento.

4. Debes escuchar y no hablar cuando se dan indicaciones, aunque vayan dirigidas a otra cuerda.

5. Todos deben escuchar lo que ensayan las demás cuerdas.

6. Con ensayos agradables y entretenidos la calidad del conjunto se verá incrementada.

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Grandes Coros - HALLELUJAH DE HAENDEL - IV Aniversario de la Coral José Roca

IV Aniversario Coral José Roca. Concierto celebrado en el Palau de la Música de Valencia el 4 de Diciembre de 2010 con la participación de la Coral Infantil J.B. Comes, Coro Mixto y Orquesta Sinfónica del Conservatorio Municipal José Iturbi de Valencia y la Coral José Roca.

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Aida - Triumphal March - Lund International Choral Festival 2010

Interpretación realizada el 17 de Octubre de 2012 en el  "Lund Choral Festival" por 476 voces y 60 musicos del "Lunds Stadsorkester" dirigidos por Roger Andersson.

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Coro del Director Eric Whitacre - 250 Voces para un coro vitual

Sencillamente magistral y del todo imaginativo este proyecto del director y compositor Eric Whitacre para crear un coro virtual de nada menos que 250 voces tomadas de otros tantos vídeos remitidos a YouTube. Su sueño se hizo realidad cuando lanzó el llamamiento a través de su blog, Facebook y YouTube, y comenzó a recibir decenas de envíos. El resultado, este ‘Lux Arumque‘, que a buen seguro te va a emocionar.

A cosas como éstas es a las que nos referimos cuando hablamos de compartir. La cultura es obra de todos y todos debemos tener acceso a ella. La ignorancia y la especulación son sus principales enemigos.

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LA NOVENA SINFONIA DE BEETHOVEN INTERPRETADA POR 10.000 CANTANTES DE CORO

La novena sinfonía de Beethoven, es especial por muchas razones. La maduración de esta obra y su plasmación en un pentagrama le llevó a su autor, desde el año 1793, en el que sintió la necesidad de poner música al poema de Schiller "An die Freude", al que todos conocemos como Oda a la Alegría, hasta el año 1824, prácticamente toda la vida artística de Beethoven.
Esto indica la importancia y el mimo que el autor dió a su última y más interpretada de sus  sinfonías, se dice que Beethoven nunca pudo escucharla por su estado de avanzada sordera.
Fue revolucionaria en su tiempo por la inclusión de la parte coral en su último movimiento.
Una adaptación de esta sinfonía, realizada por Herbert von Karajan, es desde 1972 el himno de la Unión Europea, y es la única composición musical de la historia declarada por la UNESCO, patrimonio de la humanidad.
Pero lo sorprendente de este vídeo que se adjunta es su montaje. En Osaka (Japón) 10.000 cantantes aficionados, interpretan la famosa parte coral del 4º movimiento. El Concierto fue grabado el año 2011 en Osaka dedicado a la memoria de las víctimas del sunami.  Observad que es cantada de memoria, sin partitura; observad también la expresividad del Director, inusual para un oriental. Es todo un espectáculo.

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Concierto "Grandes Coros de Ópera", con la OSSLA y Coro de la Ópera. Parte 1/2 (26 Marzo 2015)

Para quienes gustan de la música coral, sin duda el 26 de marzo de 2015 pasado, fue una gran noche, en el Teatro Pablo de Villavicencio, donde el Coro de la Ópera de Sinaloa, acompañado por la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes, llenó cada rincón del teatro con los coros de grandes piezas corales, todas ellas extraídas de grandes óperas, dentro del concierto extraordinario Grandes Coros de Ópera. Así, bajo la dirección concertadora del maestro Gordon Campbell, los asistentes pudieron deleitarse con el magnificiente Coro de los Gitanos, de la ópera El trovador, el evocativo y enternecedor Va pensiero (Vuela, pensamiento…) de la ópera Nabucco, de Verdi, pero también con temas de Puccini y de Wagner.

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Comienzo de los ensayos

 

Se informa a todos los integrantes del Coro, que hoy 15 de Septiembre, comienza el nuevo curso 2021. 

Los ensayos, se realizarán en la tercera planta de la Iglesia de Los Ángeles, los miércoles de las 19,15 a 21  de la tarde.

                                          Bienvenidos a tod@s.

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El Coro Florida Comienza los ensayos

 

Después del paréntesis por la pandemia. el Coro Florida, este mes de Octubre, ha comenzado su actividad coral con nuevos bríos y nueva dirección.

Queremos rendir un sentido homenaje a nuestra compañera Pilar que nos ha dejado en el camino, con el recuerdo de su gran calidad humana. Pilar te echamos mucho de menos y siempre te recordaremos.

Los amigos del canto coral encontrarán en el Coro Florida un ambiente de inmejorable compañerismo pues, nuestro objetivo es disfrutar cantando.
En la actualidad lo componemos 30 coralistas. Se admitiría pocos más y si son tenores mejor. Para el acceso es imprescindible la prueba de voz por parte de nuestra directora

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Cómo montar un coro sin saber cantar

Nunca se me había ocurrido pensar cómo podrían -por ejemplo- cantar en un convento en donde sus monjes hubiesen hecho votos de silencio.

Afortunadamente, los monjes de los alrededores de Mollala solucionaron el problema.

En la presentación del coro de los Silent Monks (Monjes Silenciosos) siempre se lee una introducción a modo de presentación:

Señoras y señores: 

La Primera Iglesia Bautista se siente orgullosa para brindarles a nuestros siguientes invitados.  Ellos son “Los Monjes Silenciosos”. Nos visitan esta noche desde la reclusión de su claustro monástico, alto en los ascéticos abnegados alrededores de Mollala. Allí, ellos obedientemente evitan los avíos de la modernidad y viven una vida de negación. Esta Orden Fraternal ha tomado votos de silencio y visten tejidos bastos, como singnos de su devoción a las demandas más altas que las de la carnalidad mundana y el esencialismo banal.

Pero la Biblia los instó a “hacer un ruido alegre al Señor”.
De esa manera, su dilema es evidente:
Cómo proferir alabanzas adecuadas que ni viole ni vicie, pero confirme sus votos.
Que estén aquí esta noche prueba que han descubierto una creativa y monumental solución a este dilema teológico.
Los dejamos con   “Los Monjes silenciosos”.

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Nuestra voz

 

La voz es el único instrumento musical connatural a los humanos.

La voz cantada es un instrumento perfecto, capaz de    transmitir las emociones más profundas. 

El canto es la expresión artística a través de la voz; constituye el más hermoso y sutil medio de comunicación que posee el  hombre.

Para que la voz cantada logre su máximo desarrollo, belleza y potencialidad, es preciso educarla. Las grandes voces son el resultado de un gran trabajo, cuidado y disciplina desarrollados durante muchos años por el alumno en las escuelas de canto. Su estudio científico se denomina odeología y viene del griego odeé: canto, logos: ciencia, aunque se trata de una fusión entre el arte y la ciencia, a través de la técnica.

Desde el punto de vista científico es algo bien complejo y que precisa de:

• Un conocimiento de la anatomía y fisiología del aparato fonador. El cantante debe conocer su instrumento y el funcionamiento del mismo.

• Bases de fonética acústica, para comprender el sonido en el plano físico y en el de la percepción auditiva, para luego analizar la estructura física y fisiológica de los fonemas.

• La técnica musical que implica conocimientos de solfeo y armonía entre otros.

• Cultura musical

La técnica vocal comprende:

- Manejo del esquema corporal vocal.
- Postura.
- Control de la tensión interior.
- Dominio del soplo fonatorio.
- Control de la energía de proyección vocal.
- Emisión.
- Resonancia.
- Ritmo, fraseo, entonación.
- Articulación.
- Dicción.
- Interpretación

El estudio de todos estos aspectos se hace necesario si se quiere ser un buen cantante y para un cantante clásico es imprescindible.

La voz cantada,es suceptible de perfeccionarse a través de una adecuada técnica vocal, sin embargo, es frágil y los errores a este nivel traen como consecuencia desórdenes de la voz cantada o disodeas. Lamentablemente para algunos cantantes la ausencia de conocimiento técnico, ha sido motivo del final de su carrera o de tropiezos en la misma.

Es por esto que en las escuelas de canto y conservatorios se debe tener en cuenta un trabajo integral para el alumno en formación, igualmente para los cantantes populares que al respecto se encuentran más desprotegidos.

Existen dos grandes categorías de cantantes: El cantante popular y el cantante clásico.

CANTANTE POPULAR

Se denomina así, al cantante que interpreta, estilos de música vocal diferentes a los de la música clásica, tales como: folclor, balada, jazz, rock, pop, etc. El cantante popular no tiene por lo general una formación vocal, canta por intuición, sin embargo, actualmente ya existe alguna preocupación al respecto. Siempre han existido hermosas voces populares, que no han sido trabajadas dentro de un contexto de técnica vocal.

Zegre y Naydich afirman que la técnica vocal del cantante popular y del lírico es la misma, siendo disímiles las necesidades de unos y otros.

Estas diferencias las podríamos resumir así:

1. El cantante popular no requiere de un gran desarrollo vocal a nivel de volumen y resonancia por el uso constante de micrófonos y amplificadores.

La intensidad se encuentra en un rango aproximado de 70 a 80 dB, por tanto no requiere de una voz muy dotada, no tiene que realizar los adornos y proezas del canto lírico. Lo más importante es el aspecto interpretativo, la modulación y dicción conservando siempre el estilo propio del tipo de música que interpreta.

2. El registro de la voz que más utiliza es el medio, ampliando hacia el agudo y el grave según las necesidades propias de su estilo. Las melodías populares por lo general no requieren un manejo tonal muy amplio, de tal manera que éstas se adaptan a sus posibilidades vocales.

3. El canto popular no utiliza una clasificación vocal. 
La extensión de la voz no sobrepasa las dos octavas.

4. Las exigencias de técnica vocal son menores que en el canto clásico, sin embargo, se necesita tener un excelente oído musical, afinación, ritmo y sensibilidad artística.

5. Algunos estilos son más exigentes que otros, tales como el Rock, el Jazz y algunos tipos de baladas entre otros.

CANTANTE CLÁSICO

1. Es aquél que tiene cualidades vocales muy bien dotadas, oído fino, musicalidad y sensibilidad artística, recibe una formación técnica y musical que le permite interpretar a los grandes maestros.

2. Hace estudios de historia de la música, fonética, solfeo, armonía y repertorio acorde con su clasificación y estilo.

3. A través de la técnica desarrolla un excelente dominio del soplo fonatorio, volumen y resonancia, logrando intensidades de 120 dB y más.

4. Se prepara en el manejo rítmico, entonacional e interpretativo, así como en la ejecución de habilidades y proezas propias del canto lírico.

5. Trabaja en una extensión vocal mayor de dos octavas.

6. Tiene una clasificación vocal que es dada por el maestro de canto.

La voz tanto masculina como femenina, se clasifica en seis categorías principales; según Jackson Menaldi, la clasificación de las voces teniendo en cuenta la extensión fisiológica es la siguiente:

HOMBRES
 
Bajo
Frecuencia = 98 - 110 Hz
Extensión C1- F3 (Do1- Fa3) (65- 349 Hz)
Tesitura A1- G2 (La1- Sol2) (110- 196 Hz)

Barítono
Frecuencia = 117- 133 Hz
Extensión E1- A3 (Mi1- La3) (83- 440 Hz)
Tesitura D2- C3 (Re2- Do3) (147- 262 Hz)

Tenor
Frecuencia = 147- 165 Hz
Extensión G1- G4 (sol1- Do4) (98- 523 Hz)
Tesitura F2- E3 (Fa2- Mi3) (174- 330 Hz)

MUJERES 

Contralto
Frecuencia = 196- 226 Hz
Extensión C2- G4 (Do2- Sol4) (131- 784 Hz)
Tesitura C3- C4 (Mi3- Do4) (294- 523 Hz)

Mezzosoprano
Fecuencia = 210- 226 Hz
Extensión E2- A4 (Mi2- La4) (165-880 Hz)
Tesitura D3- C4 (Mi3- Do4) (294- 423 Hz)

Soprano
Frecuencia = 244-262 Hz
Extensión G2- E5 (Sol2-Mi5) (196- 1175 Hz)
Tesitura G3- F4 (Sol3- Fa4) (392- 698 Hz)

Dinville define la extensión vocal como la totalidad de los sonidos que puede emitir una voz y tesitura como el conjunto de notas que puede emitir fácilmente la voz de un individuo. En el cantante clásico, las dos llegan a confundirse, mientras que en el cantante popular, por lo general la tesitura es corta y la extensión no logra toda su gama, realizándose con esfuerzo las notas más graves y más agudas.

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La música: Algo innato?

Una investigación realizada por científicos estadounidenses y canadienses ha revelado que el cerebro es sensible a los procesos musicales, pudiendo distinguir los cambios de entonación aunque no se conozca nada de música. Este estudio, que ha definido con precisión las regiones cerebrales implicadas en el procesamiento de la información melódica, confirmaría la hipótesis de uno de los autores de la investigación, el neurocientífico Daniel Levitin: "que la comprensión de la música, como la del lenguaje, es innata en el ser humano." Otros estudios llevados a cabo por Levitin durante años de investigación apuntan a que nuestra relación con la música es más profunda de lo que pensamos, y que ésta puede condicionar no sólo nuestra actividad cerebral, sino también nuestra biología y nuestro estado de ánimo.

Tal y como explica la revista de la universidad de Stanford, esta última investigación de Daniel Levitin y sus colaboradores, se enmarca en un largo proceso de estudio llevado a cabo por Levitin, cuyos primeros experimentos demostraron ya que los cerebros de los profanos de la música cuentan con conceptos musicales innatos, como el ritmo, el timbre o el tono, aunque seamos incapaces incluso de definir dichos conceptos. Por esta razón, y según defiende Levitin, la música, como el lenguaje, sería un elemento innato del conocimiento de nuestra especie.

Bobby McFerrin demuestra en el siguiente vídeo, lo que el llama: el poder de la escala pentatónica, con la participación del público, en el evento "Notas y neuronas: En busca del coro común", en el festival de ciencias de Nueva York en 2009.

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QUE ES UN CORO ?

En canto, se denomina coro, coral o agrupación vocal a un conjunto de personas que interpretan una pieza de música vocal de manera coordinada. Es el medio interpretativo colectivo de las obras cantadas o que requieren la intervención de la voz. 

 

CARACTERÍSTICAS 

El coro es un instrumento colectivo, dirigido por un director, que es una persona necesaria en su función para poder unificar los criterios interpretativos. 

 

• Función del director.

Básicamente, un director tiene como función, seleccionar el repertorio de canciones, enseñar cómo deben cantarse y procurar que se canten como él quiere o siente la melodía a cantar. Para ello dispone de los ensayos en los que da los múltiples matices que requiere una partitura bien interpretada (piano, staccato, crescendo...). Coordina el coro de tal forma que la afinación sea perfecta en todo momento, llevando el ritmo y la velocidad de interpretación para que todos los cantantes estén coordinados, apoyándose también en la expresión facial para contribuir a una mayor expresividad de las piezas.

 

• Composición. (Tipos de voz)

El coro es un instrumento armónico por excelencia, con una extensión o tesitura de unas cuatro octavas. Se forma a partir de un grupo de cantantes que poseen voces distintas y que se clasifican en función de su tesitura. De este modo podemos distinguir:
 

LA VOZ FEMENINA

Soprano: es la voz más aguda y suele dividirse en los siguientes tipos:
Ligera: si bien el volumen no tiene tanta importancia como en otros tipos de soprano, su extensión es la más amplia; voz idónea para realizar todo tipo de virtuosismos vocales, como son los ornamentos y adornos diversos.
Doubrette: muy parecida a la anterior, aunque su timbre y tesitura suelen ser más graves.
Lírico - ligera: voz intermedia capacitada para acometer gran parte de los papeles de sopranos ligeras y líricas.
Lírica: más expresiva y con mayor volumen que las ligeras, no tiene, sin embargo, agudos tan firmes.
Lírico - spinto: supera en potencia y expresión a la lírica.
Dramática: posee unos graves más ricos que la lírico - spinto y el timbre es también más poderoso; cuando puede cantar ornamentos, se le suele llamar soprano dramática con agilidades.
Falcon: voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano, casi equivalente a la mezzo ligera.

Mezzosoprano: de timbre rotundo y bastante más grave que el de la soprano, puede acometer agilidades muy complicadas. Suele dividirse en dos grupos:
Mezzo ligera: casi equivalente a la soprano dramática con agilidades y a la soprano falcon; debe estar capacitada para resolver agilidades auténticamente virtuosistas.
Mezzo dramática: casi equiparable a la soprano dramática, aunque sus graves son mucho más ricos y potentes.

Contralto: es la voz femenina más grave. De singular rareza, supera a la mezzo dramática en la potencia de sus graves. A veces puede hacer agilidades. En Alemania, país donde más se ha subdividido y estudiado la clasificación de la voz, se suele distinguir la contralto cómica, con capacidad para cantar ornamentos (conocida en otra época en Italia como contralto buffa) de la dramática.

LA VOZ MASCULINA

Tenor: es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en:
Ligero: voz muy ágil capacitada para una perfecta vocalización y para entonar agilidades.
Cómico: equiparable al anterior. En Francia también se le conoce como tenor trial.
Lírico: de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz que los tipos anteriores.
Lírico - spinto: de mayor potencia y expresión que el tenor lírico. Cuenta con el repertorio más amplio de eta cuerda.
Dramático: de gran potencia en la octava central y en los graves; pobre en los agudos.

Barítono: voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca cuenta con agilidades.
Ligero o cantante: voz atenorada en los agudos; graves no muy potentes.
Buffo: muy parecido al anterior.
Bajo Verdi: característico en las óperas maduras de Verdi. Debe poseer agudos brillantes y graves aterciopelados.
Barítono - Bajo: voz de color oscuro que, sin embargo, puede emitir agudos brillantes. En Alemania, además, se considera como un tipo aparte el llamado bassbariton.

Bajo: es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene que acometer agilidades más bien difíciles.
Cantante: además de poseer un timbre relativamente ligero, debe resolver agilidades.
Helden: equivalente al barítono bajo.
Profundo: octava grave muy rica, agudos firmes.
Caractère y Hoher: tipos de voces que no se usan fuera de los repertorios francés y alemán. El primero está cercano al cantante y el segundo es un profundo corto.


Distribución de las voces. 

La forma de colocar las voces en un coro suele seguir un esquema fijo para la mayor parte de los coros. Depende de cada director y del tipo de canción del repertorio coral. En general, es algo así: 

   

TENORES	BAJOS
SOPRANOS	CONTRALTOS
DIRECTOR

Esta distribución permite que cada una de las voces esté colocada en un bloque compacto que da seguridad a cada persona, y proporciona mayor potencia al conjunto en general. Permite un rápido reconocimiento a vista por parte del director. Si la pieza a cantar lo requiere, se pueden usar tantas distribuciones distintas como se quiera y de forma estática (en el sitio) o dinámica (cantando en movimiento) creando varios efectos en función de las posiciones que ocupen las voces. Aunque también la elección de la disposición de las voces viene dada por la relación del espacio y la acústica del auditorio y por el número de integrantes por cada voz. 

 

CLASIFICACIÓN DE COROS 

El tipo de coro puede ser clasificado atendiendo diversos criterios: 
 

• Instrumentalidad.

1.-A capella: cuando el coro canta sin acompañamiento instrumental. 

2.-Concertante: cuando el coro canta con acompañamiento instrumental 
 

• Timbre y tesitura.

1.-Voces iguales: cuando contienen voces de la misma naturaleza, voces blancas o graves a un mismo tiempo. 

Formaciones típicas de coros de voces iguales blancas. (Femenino) 

•    A dos voces: Sopranos y contraltos.
•    A tres voces. Sopranos, mezzosopranos y contraltos.
•    A cuatro voces: sopranos primeras, sopranos                 segundas,  mezzosopranos y contraltos. 

 

Formaciones típicas de coros de voces iguales graves. (Masculino) 

•   A dos voces: Tenores y bajos.
•   A tres voces: Tenores, barítonos y bajos.
•   A cuatro voces: Tenores primeros, tenores segundos,     barítonos y bajos. 

Un caso especial es el de voces iguales que cantan al unísono, como es el caso de los coros de monjes especializados en la interpretación del canto gregoriano.
  

2.-Voces mixtas: cuando contienen voces de diferente naturaleza, voces blancas y graves a un mismo tiempo 

•    A cuatro voces: Sopranos, contraltos, Tenores y bajos. Es la formación más habitual, llamada también por su abreviatura SATB. 

•    A seis voces: Sopranos, mezzosopranos, contraltos, tenores, barítonos y bajos.  

 

• Tamaño

1.-Cuarteto vocal mixto. 

2.-Octeto: duplicación del cuarteto mixto.  

3.-Coro de cámara: de reducidas dimensiones (de doce a veinte miembros).  

4.-Coro sinfónico o masa coral: es el más habitual, con una composición de treinta a sesenta integrantes.  

5.-Orfeón o gran coro: compuesto por más de cien integrantes.

Lo cierto es que la palabra 'orfeón' designa una agrupación coral que se ha consolidado como entidad. Un orfeón es una sociedad coral (paralela en su organización a las sociedades sinfónicas) y, como tal, dispone de cargos jerárquicos (presidente, tesorero, vocales).  

Nota: la palabra proviene de Orfeo, dios griego bajo cuya protección se encontraba el teatro y, especialmente, los grupos de actores (los coros del teatro clásico). 
 

OBJETIVOS 

El canto, desde sus principios, ha sido y sigue siendo un modo de expresión. La voz, el instrumento nato e inmediato, que el hombre ha tenido a su alcance, es una de las herramientas de comunicación mas usadas por el hombre para manifestar sus sentimientos en diferentes situaciones a lo largo de su vida. 

El objetivo principal de un coro, cualquiera sea su clasificación, es el expresar en sus diferentes obras, las emociones plasmadas en cada letra de sus cantos conmoviendo así las raíces mas profundas, generar conciencia, cambiar la realidad objetiva natural y social de cada espectador presente. En pocas palabras transformar al espectador en protagonista. 

HISTORIA

Desde un principio no se le llamaba coro, si no solo era simplemente un grupo de personas que se reunían a cantar, al principio fue la voz humana imitando a la naturaleza, después a medida que el hombre evoluciona, desarrolla también, entre muchas cosas, los aspectos musicales como la de ser el instrumento musical humano, que es la voz.

El coro va tomando forma y auge en Grecia donde también nacieron varias de las artes, los coros eran utilizados como medio de expresión para adorar a sus deidades, como lo era en muchas otras culturas. También se contaban historias como la creación del mundo.

En el antiguo Egipto la música era considerada como la jerarquía inmediata al Faraón y los principales músicos de la orquesta del palacio real, pero en primer lugar el cantante principal era considerado con rango de parientes de Rey.

En Mesopotamia la música estaba íntimamente asociada con ritos de adoración a los astros y dioses. El dios Ea era el protector de la música y representado por el sonido de un gran tambor. No solo adoraban con intervención de la música, si no que los relacionaban con ella directamente, consideraban que algunos dioses eran músicos según muestran escultores y relieves.

En la antigua China a la música la relacionaban, con el orden del universo y podía afectar la armonía del mundo, se le atribuía a los sonidos poderes mágicos, esta música era capaz de afectar la vida humana positivamente o negativamente.

En casi todas estas civilizaciones solo permitían cantar a los hombres, pero a diferencia de Mesopotamia se organizaban coros de mujeres, los cuales al momento que ellas recibían a los hombres, cuando llegaban victoriosos de la guerra entonaban, un canto de alabanza. 

El coro surgió en la antigua Grecia como expresión musical y teatral colectiva, el coro siguió existiendo en Roma, donde consta su presencia en actos musicales de circo Flavio, en la época del emperador Claudio.Ligado en la edad media a las funciones litúrgicas, el coro fue adquiriendo mayor importancia gracias a la polifonía en los dos siglos que precedieron al renacimiento.

El coro es un ejercicio colectivo que históricamente nace en el momento en el que un grupo de personas se ponen a cantar juntas bajo unas mismas directrices marcadas por ellas mismos o por la personalidad de un director. “Coro” proviene del griego “ronda”. Los coros griegos eran formaciones de hombres, mujeres, mixtos o de hombres y niños. Cantaban solamente música monódica, normalmente en el teatro.

En el Antiguo Testamento está documentada la existencia de coros organizados en Israel. Eran coros escolásticos con acompañamiento instrumental cuyo repertorio se transmitía de generación en generación. Los coros estaban compuestos únicamente por varones adultos aunque se permitía añadir niños.

En la Edad Media se forman coros en las iglesias y monasterios para acompañar a la liturgia, normalmente integrados solo por hombres (monasterios masculinos y catedrales) o solo mujeres (monasterios femeninos). En la liturgia habitual respondía y cantaba todo el pueblo conjuntamente (hombres y mujeres). Es también la Edad Media la que inventa una notación musical que llega hasta nuestros días y que nos permite construir el repertorio coral.

A principios del siglo X, en el periodo conocido como Ars antiqua, aparece la polifonía que permite el desarrollo de las agrupaciones vocales. Se canta en principio a dos voces y más tarde a tres y cuatro voces, aunque no en forma de coro sino de solistas (tríos y cuartetos).

En los siglos XIV y XV, en el periodo conocido como Ars nova, los niños pasan a formar parte de los coros, constituyendo las voces agudas de las obras polifónicas.En el siglo XVI aumenta el número de integrantes y se nombran las voces según su tesitura: cantus, altus, tenor y bassus.

En los siglos XVII y XVIII, en los periodos denominados Barroco y Clasicismo, los coros siguen aumentando el número de integrantes y las voces que designan su tesitura son nombradas con los términos actuales (soprano, contralto, etc.). Aumenta el número de partes vocales reales. Es la época de las grandes obras corales de Haendel, Bach, Haydn y Mozart.

En el siglo XIX, durante el romanticismo, se da una revolución en el mundo coral con la megalomanía de los conjuntos corales que llegan a agrupar a más de ochocientos integrantes y el fenómeno de socialización, siendo los coros considerados como medios de solidaridad y formación de los individuos. 

El siglo XX y XXI continúa con el fenómeno de socialización. 

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Desarrollo del sonido en un coro

Publicamos un trabajo realizado por Julio López Agudo, tomado de la página web del coro "Camerata ad libitum" de Pontevedra: http://www.camerata.es/ en el que se citan un serie de normas para conseguir que un coro mejore en su forma y manera de interpretar canciones.

EMPASTE. Un buen sonido es absolutamente esencial si los cantores quieren experimentar un hecho estético. Cada cantor dentro de una cuerda produce un sonido único, el empaste se produce cuando dos o más intérpretes cantando al unísono consiguen un sonido que se percibe como uno sólo. Como la pronunciación es el primer portador del sonido, el empaste resulta de la unanimidad en la pronunciación. Dicho empaste no es una cualidad que el compositor pueda escribir en la partitura, es trabajo del coro.

Conseguir un buen empaste es tarea de oídos entrenados. El oído debe entrenarse y sensibilizarse a escuchar el empaste de los sonidos, cada cantor debe percibir las mínimas diferencias en la formación vocal y hacer los ajustes necesarios para mejorar el empaste. Es de la mayor importancia que los cantores, no sólo el director, escuchen esa diferencia.

Eventualmente los cantantes que no empastan con propiedad deben ser quienes hagan los ajustes oportunos. Deben modificar el sonido de manera que se aproximen lo más posible al sonido de la cuerda como un todo. La música lenta con acordes sostenidos demanda más concentración en el empaste.

COLOCACIÓN. La colocación de los cantores dentro de cada cuerda determina el sonido global. Las voces que tienden a sobresalir no deben colocarse nunca en los extremos de la cuerda, más bien deben rodearse de voces que empasten bien. El mejor criterio para colocar una voz es su timbre, aunque desafortunadamente la conveniencia y la necesidad prevalecen a menudo en la colocación de las voces.

EQUILIBRIO. El equilibrio depende del control apropiado de las dinámicas. Hay esencialmente dos tipos de equilibrio: el equilibrio dentro de una cuerda y el equilibrio entre todas ellas. Cada voz dentro del coro debe cantar básicamente en un mismo nivel dinámico. La timidez, así como el grado natural de fuerza vocal, puede hacer difícil que algunas voces canten tan fuerte como otras. Estas voces más suaves son valiosas ya que añaden cuerpo y profundidad al sonido.

La cuerda bien equilibrada es aquella en la que todos los cantores son capaces de producir exactamente el mismo nivel dinámico. Los problemas surgen cuando, por ejemplo, una soprano canta mucho más fuerte que las demás de la cuerda. Cuando esto ocurre, el establecimiento del equilibrio, así como un buen empaste, resulta mucho más difícil aunque no imposible.

Conseguir el equilibrio, como el empaste, es asunto de oídos educados. Cada cantante debe escuchar cuidadosamente el nivel dinámico y hacer ajustes para estar en equilibrio con los otros. Pueden darse problemas en los niveles dinámicos más fuertes, ya que las voces más débiles simplemente no pueden alcanzar el volumen de las voces más grandes. En cualquier cuerda del coro, el nivel dinámico anterior a que el equilibrio se venga abajo y las voces individuales sobresalgan es el óptimo para esa cuerda en particular.

El equilibrio también existe dentro del coro completo. Esto significa, por ejemplo, que la cuerda de contraltos cante tan fuerte como la de sopranos. Los oídos de los cantores juegan un papel importante otra vez, ya que sólo ellos pueden decir cuanta energía debe añadirse a la dinámica sonora. Los cantores deben escuchar todo el coro así como su propia cuerda.

Ninguna voz debe cantar nunca con su máximo volumen. La solidez del sonido, dando sensación de fuerza, puede conseguirse explotando el otro extremo de la escala dinámica. Como las dinámicas son relativas, el coro que aprende a cantar muy piano, dará sensación de gran poder en el nivel forte. La fuerza del coro se amoldará a la de su cuerda más débil, el nivel dinámico que esta pueda producir determina el nivel dinámico de todo el coro.

La colocación de las voces dentro de cada cuerda puede jugar un papel importante a la hora de conseguir un empaste y equilibrio máximos. Los cantantes más fuertes deben colocarse más bien dentro del coro que en los extremos o en el frente. En esta posición serán capaces de escuchar el sonido total y ajustar la dinámica cuando se necesite.

Cantar en cuartetos dentro del coro es probablemente la mejor técnica para conseguir un perfecto empaste y equilibrio, pero algunos cantores sencillamente no pueden cantar en esa disposición, necesitan la seguridad de la cuerda. Colocar voces fuertes junto a voces más débiles puede ayudar a estas últimas a desarrollarse. Colocar voces suaves y dulces junto a voces más nasales puede ayudar a las voces "delgadas" a desarrollar una calidad sonora más difusa.

Aunque cada voz es única, también es un instrumento asombrosamente flexible, acompañada de un buen oído, la voz es muy versátil. Los buenos cantores deben darle sus voces al coro. Esto es, cada voz tiene que renunciar algo a su individualidad cuando se quiere desarrollar un buen sonido coral. Habitualmente no todos pueden cantar en el modo que desean; la modificación del timbre vocal, el control de la afinación, el nivel dinámico y el vibrato para bien del coro es parte de la experiencia coral. La voz puede hacer estos ajustes si el oído está educado para escuchar críticamente.

AFINACIÓN. La mayoría de los cantores no afina automáticamente cuando canta. Tienen que concentrarse en una referencia sonora. Las causas de la desafinación pueden ser diversas:

1. Los cantores tienden a hacer demasiado grandes los intervalos descendentes, mientras que dejan cortos los intervalos ascendentes.

2. Algunos cantores encuentran sin interés repetir sonidos y relajan la intensidad de la línea musical, dejando caer la afinación. El cantor confiado es atrapado a cada momento.

3. El tercer y séptimo grados de la escala (mayor) tienden a cantarse demasiado bajos.
4. El espacio de ensayo o de concierto puede provocar por sí mismo problemas de afinación. La salas con poca reverberación hacen sentir a los cantores como si estuvieran cantando un solo. Demasiada reverberación produce un sonido sin claridad y definición. Los cantores pueden cansarse con más rapidez cuando la sala está mal ventilada, caliente o húmeda. Las salas pueden tener un ruido ambiental que tiende a hacer que los cantores desafinen. Por todo ello, los cantores deben estar preparados para amoldarse a cualquier tipo de acústica.

5. Los cantores vienen a veces a los ensayos mental y físicamente cansados, lo cual puede hacer que se sientan “horrorizados” ante una o dos horas de ensayo. En tales circunstancias no es extraño que surjan problemas de entonación. Tanto el director como los cantores son los responsables de exigirse y motivarse unos a otros.

6. Una postura inadecuada y los malos hábitos vocales también provocan problemas de entonación, el coro debe saber cómo sentarse y ponerse de pie, cómo respirar, cómo cantar y cómo pronunciar el texto con claridad y precisión.

7. También los intervalos difíciles o poco familiares, las tesituras agudas, los movimientos inusuales de las voces pueden provocar que los cantantes desafinen.

8. El cantar notas agudas sostenidas puede provocar fatiga vocal, la voz pierde fuerza y se baja.

9. El movimiento cromático puede provocar una pérdida del sentimiento tonal.

Los buenos cantores no forman necesariamente un buen coro, las soluciones a los problemas de entonación sólo pueden ser acometidos por oídos bien formados.

ACÚSTICA. En cada situación acústica deben realizarse determinados ajustes. Si se canta en salas con poca reverberación (salas con pesadas cortinas y suelos enmoquetados):

1. Los tempos pueden tener que ser más rápidos.

2. Las líneas musicales deben ser más sostenidas.

3. Se requiere más energía para mantener líneas melódicas largas.

4. Los ritmos deben ser muy crispados.

5. El sonido deberá ser más brillante para asegurar su proyección.

6. Los cantores deben escuchar más críticamente.

En espacios donde la reverberación es considerable (salas con paredes y suelos duros y reflectantes):

1. Los tempos habitualmente tienen que ser más lentos.

2. Se necesita más separación entre los sonidos de los melismas. En algunos pasajes rápidos cada sonido puede necesitar una ligera articulación.

3. Las líneas melódicas deben destacarse más.

4. Debe cuidarse mucho la dicción para que el texto no se pierda.

CADENCIA FINAL. La cadencia final tiene implicaciones en la actitud del coro. Después de realizarla quedarán inmóviles, no volverán las páginas, ni cerrarán la carpeta, ni se volverán hacia sus compañeros. El coro también debe percibir el final audible de la música, el hecho de que hayan cerrado la boca no cierra su interpretación. El coro debe permanecer "en el carácter" de la música el tiempo conveniente tras la cadencia final, el director habitualmente hará una seña al coro cambiando su expresión, el gesto físico o su actitud corporal cuando llegue el final. El coro entonces se relaja o cambia su talante para interpretar la obra siguiente. El coro que rompe su disciplina pierde ese momento "evanescente" en que una obra nos habla finalmente. El coro debe ser tan disciplinado como el director y continuar participando en la música tras la cadencia final.

BUENOS ENSAYOS. Normas a seguir para un buen ensayo:

1. Si es posible conoce la música, estudia previamente la partitura.

2. Espera un ensayo interesante, sé positivo.

3. El ensayo comienza a una hora, y los cantores deben estar en su sitio en ese momento.

4. Debes escuchar y no hablar cuando se dan indicaciones, aunque vayan dirigidas a otra cuerda.

5. Todos deben escuchar lo que ensayan las demás cuerdas.

6. Con ensayos agradables y entretenidos la calidad del conjunto se verá incrementada.

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