Desarrollo del sonido en un coro

Publicamos un trabajo realizado por Julio López Agudo, tomado de la página web del coro "Camerata ad libitum" de Pontevedra: http://www.camerata.es/ en el que se citan un serie de normas para conseguir que un coro mejore en su forma y manera de interpretar canciones.

EMPASTE. Un buen sonido es absolutamente esencial si los cantores quieren experimentar un hecho estético. Cada cantor dentro de una cuerda produce un sonido único, el empaste se produce cuando dos o más intérpretes cantando al unísono consiguen un sonido que se percibe como uno sólo. Como la pronunciación es el primer portador del sonido, el empaste resulta de la unanimidad en la pronunciación. Dicho empaste no es una cualidad que el compositor pueda escribir en la partitura, es trabajo del coro.

Conseguir un buen empaste es tarea de oídos entrenados. El oído debe entrenarse y sensibilizarse a escuchar el empaste de los sonidos, cada cantor debe percibir las mínimas diferencias en la formación vocal y hacer los ajustes necesarios para mejorar el empaste. Es de la mayor importancia que los cantores, no sólo el director, escuchen esa diferencia.

Eventualmente los cantantes que no empastan con propiedad deben ser quienes hagan los ajustes oportunos. Deben modificar el sonido de manera que se aproximen lo más posible al sonido de la cuerda como un todo. La música lenta con acordes sostenidos demanda más concentración en el empaste.

COLOCACIÓN. La colocación de los cantores dentro de cada cuerda determina el sonido global. Las voces que tienden a sobresalir no deben colocarse nunca en los extremos de la cuerda, más bien deben rodearse de voces que empasten bien. El mejor criterio para colocar una voz es su timbre, aunque desafortunadamente la conveniencia y la necesidad prevalecen a menudo en la colocación de las voces.

EQUILIBRIO. El equilibrio depende del control apropiado de las dinámicas. Hay esencialmente dos tipos de equilibrio: el equilibrio dentro de una cuerda y el equilibrio entre todas ellas. Cada voz dentro del coro debe cantar básicamente en un mismo nivel dinámico. La timidez, así como el grado natural de fuerza vocal, puede hacer difícil que algunas voces canten tan fuerte como otras. Estas voces más suaves son valiosas ya que añaden cuerpo y profundidad al sonido.

La cuerda bien equilibrada es aquella en la que todos los cantores son capaces de producir exactamente el mismo nivel dinámico. Los problemas surgen cuando, por ejemplo, una soprano canta mucho más fuerte que las demás de la cuerda. Cuando esto ocurre, el establecimiento del equilibrio, así como un buen empaste, resulta mucho más difícil aunque no imposible.

Conseguir el equilibrio, como el empaste, es asunto de oídos educados. Cada cantante debe escuchar cuidadosamente el nivel dinámico y hacer ajustes para estar en equilibrio con los otros. Pueden darse problemas en los niveles dinámicos más fuertes, ya que las voces más débiles simplemente no pueden alcanzar el volumen de las voces más grandes. En cualquier cuerda del coro, el nivel dinámico anterior a que el equilibrio se venga abajo y las voces individuales sobresalgan es el óptimo para esa cuerda en particular.

El equilibrio también existe dentro del coro completo. Esto significa, por ejemplo, que la cuerda de contraltos cante tan fuerte como la de sopranos. Los oídos de los cantores juegan un papel importante otra vez, ya que sólo ellos pueden decir cuanta energía debe añadirse a la dinámica sonora. Los cantores deben escuchar todo el coro así como su propia cuerda.

Ninguna voz debe cantar nunca con su máximo volumen. La solidez del sonido, dando sensación de fuerza, puede conseguirse explotando el otro extremo de la escala dinámica. Como las dinámicas son relativas, el coro que aprende a cantar muy piano, dará sensación de gran poder en el nivel forte. La fuerza del coro se amoldará a la de su cuerda más débil, el nivel dinámico que esta pueda producir determina el nivel dinámico de todo el coro.

La colocación de las voces dentro de cada cuerda puede jugar un papel importante a la hora de conseguir un empaste y equilibrio máximos. Los cantantes más fuertes deben colocarse más bien dentro del coro que en los extremos o en el frente. En esta posición serán capaces de escuchar el sonido total y ajustar la dinámica cuando se necesite.

Cantar en cuartetos dentro del coro es probablemente la mejor técnica para conseguir un perfecto empaste y equilibrio, pero algunos cantores sencillamente no pueden cantar en esa disposición, necesitan la seguridad de la cuerda. Colocar voces fuertes junto a voces más débiles puede ayudar a estas últimas a desarrollarse. Colocar voces suaves y dulces junto a voces más nasales puede ayudar a las voces "delgadas" a desarrollar una calidad sonora más difusa.

Aunque cada voz es única, también es un instrumento asombrosamente flexible, acompañada de un buen oído, la voz es muy versátil. Los buenos cantores deben darle sus voces al coro. Esto es, cada voz tiene que renunciar algo a su individualidad cuando se quiere desarrollar un buen sonido coral. Habitualmente no todos pueden cantar en el modo que desean; la modificación del timbre vocal, el control de la afinación, el nivel dinámico y el vibrato para bien del coro es parte de la experiencia coral. La voz puede hacer estos ajustes si el oído está educado para escuchar críticamente.

AFINACIÓN. La mayoría de los cantores no afina automáticamente cuando canta. Tienen que concentrarse en una referencia sonora. Las causas de la desafinación pueden ser diversas:

1. Los cantores tienden a hacer demasiado grandes los intervalos descendentes, mientras que dejan cortos los intervalos ascendentes.

2. Algunos cantores encuentran sin interés repetir sonidos y relajan la intensidad de la línea musical, dejando caer la afinación. El cantor confiado es atrapado a cada momento.

3. El tercer y séptimo grados de la escala (mayor) tienden a cantarse demasiado bajos.
4. El espacio de ensayo o de concierto puede provocar por sí mismo problemas de afinación. La salas con poca reverberación hacen sentir a los cantores como si estuvieran cantando un solo. Demasiada reverberación produce un sonido sin claridad y definición. Los cantores pueden cansarse con más rapidez cuando la sala está mal ventilada, caliente o húmeda. Las salas pueden tener un ruido ambiental que tiende a hacer que los cantores desafinen. Por todo ello, los cantores deben estar preparados para amoldarse a cualquier tipo de acústica.

5. Los cantores vienen a veces a los ensayos mental y físicamente cansados, lo cual puede hacer que se sientan “horrorizados” ante una o dos horas de ensayo. En tales circunstancias no es extraño que surjan problemas de entonación. Tanto el director como los cantores son los responsables de exigirse y motivarse unos a otros.

6. Una postura inadecuada y los malos hábitos vocales también provocan problemas de entonación, el coro debe saber cómo sentarse y ponerse de pie, cómo respirar, cómo cantar y cómo pronunciar el texto con claridad y precisión.

7. También los intervalos difíciles o poco familiares, las tesituras agudas, los movimientos inusuales de las voces pueden provocar que los cantantes desafinen.

8. El cantar notas agudas sostenidas puede provocar fatiga vocal, la voz pierde fuerza y se baja.

9. El movimiento cromático puede provocar una pérdida del sentimiento tonal.

Los buenos cantores no forman necesariamente un buen coro, las soluciones a los problemas de entonación sólo pueden ser acometidos por oídos bien formados.

ACÚSTICA. En cada situación acústica deben realizarse determinados ajustes. Si se canta en salas con poca reverberación (salas con pesadas cortinas y suelos enmoquetados):

1. Los tempos pueden tener que ser más rápidos.

2. Las líneas musicales deben ser más sostenidas.

3. Se requiere más energía para mantener líneas melódicas largas.

4. Los ritmos deben ser muy crispados.

5. El sonido deberá ser más brillante para asegurar su proyección.

6. Los cantores deben escuchar más críticamente.

En espacios donde la reverberación es considerable (salas con paredes y suelos duros y reflectantes):

1. Los tempos habitualmente tienen que ser más lentos.

2. Se necesita más separación entre los sonidos de los melismas. En algunos pasajes rápidos cada sonido puede necesitar una ligera articulación.

3. Las líneas melódicas deben destacarse más.

4. Debe cuidarse mucho la dicción para que el texto no se pierda.

CADENCIA FINAL. La cadencia final tiene implicaciones en la actitud del coro. Después de realizarla quedarán inmóviles, no volverán las páginas, ni cerrarán la carpeta, ni se volverán hacia sus compañeros. El coro también debe percibir el final audible de la música, el hecho de que hayan cerrado la boca no cierra su interpretación. El coro debe permanecer "en el carácter" de la música el tiempo conveniente tras la cadencia final, el director habitualmente hará una seña al coro cambiando su expresión, el gesto físico o su actitud corporal cuando llegue el final. El coro entonces se relaja o cambia su talante para interpretar la obra siguiente. El coro que rompe su disciplina pierde ese momento "evanescente" en que una obra nos habla finalmente. El coro debe ser tan disciplinado como el director y continuar participando en la música tras la cadencia final.

BUENOS ENSAYOS. Normas a seguir para un buen ensayo:

1. Si es posible conoce la música, estudia previamente la partitura.

2. Espera un ensayo interesante, sé positivo.

3. El ensayo comienza a una hora, y los cantores deben estar en su sitio en ese momento.

4. Debes escuchar y no hablar cuando se dan indicaciones, aunque vayan dirigidas a otra cuerda.

5. Todos deben escuchar lo que ensayan las demás cuerdas.

6. Con ensayos agradables y entretenidos la calidad del conjunto se verá incrementada.

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